À travers la présentation d’une soixantaine d’œuvres, de nombreux documents et de plusieurs artefacts, les visiteurs seront conviés à la découverte de la riche carrière artistique de Jean Soucy (1915, L’Isle Verte – 2003, Québec). Grâce au travail exhaustif et minutieux d’archivistes, d’historiens de l’art et de proches de Jean Soucy, l’exposition promet une incursion au cœur des grands moments qui ont marqué le parcours exceptionnel du peintre. Aussi, les anecdotes et l’abondante correspondance dressent un portrait fidèle de cet artiste méconnu. Ce parcours créatif se dévoilera au fil de quatre périodes marquantes, à savoir : Premières armes (1934-1946), Le Grand Tour (1946-1950), La Période grise (1951-1959) et Visions abstraites (1960-1967).

Ces œuvres, réunies pour la première fois dans une exposition à caractère rétrospectif, seront accompagnées d’un catalogue qui permettra aux visiteurs de se familiariser avec un corpus peu étudié de l’histoire de l’art au Québec et à Québec. Durant cette période charnière, correspondant aux années 1940 à 1960, les artistes s’affranchissent de l’académisme classique pour embrasser de nouveaux sujets, langages et moyens plastiques au gré de leur subjectivité.

Ainsi, après un demi-siècle de dormance et de clandestinité, l’œuvre du peintre Jean Soucy sera présentée au Musée des beaux-arts de Sherbrooke du 28 janvier au 26 mars 2017. C’est la dernière présentation de cette exposition itinérante organisée par le Centre d’exposition Lethbridge.

Le Musée des beaux-arts de Sherbrooke est fier d’annoncer le lancement de Dialogues. La collection de photographies Luc LaRochelle, une exposition mettant en valeur un corpus d’œuvres offertes au MBAS par l’un de ses plus importants donateurs. Ambitieuse et accessible, l’exposition présente près de soixante œuvres réalisées entre les années 1885 et 2016 par une quarantaine de photographes canadiens et étrangers.

Conçue à la manière d’une conversation qui a lieu hors du temps, la présentation mettra en relation des œuvres historiques avec d’autres, plus récentes. Le principal objectif est de montrer la variété de la pratique photographique passée et présente, par l’exploration de trois des grands thèmes qui intéressent les artistes photographes depuis toujours, soit le paysage, le portrait et la mise en scène théâtrale. Les visiteurs, autant amateurs que néophytes, pourront admirer et apprécier des œuvres photographiques exceptionnelles qui reflètent les approches et les préoccupations artistiques de différentes époques. Ressemblances et dissemblances, autant au point de vue de la forme que du fond, sauront émerger de ces dialogues inusités.

L’intérêt du collectionneur pour l’art réalisé au Canada étant marqué, l’exposition réserve une grande place aux artistes canadiens. Le travail d’une dizaine d’artistes originaires du Québec y est présenté, dont Richard Max-Tremblay, Geneviève Cadieux, Charles Gagnon, Marisa Portolese, Jocelyne Alloucherie, Micheal Flomen ainsi que Jason et Carlos Sanchez. Parmi les artistes internationaux de renom dont les oeuvres sont exposées, citons Cecil Beaton, Wynn Bullock, Lee Friedlander, Robert Mapplethorpe, Thomas Demand et Carolee Schneemann.

Depuis ses débuts, Jean-Robert Drouillard est reconnu pour ses sculptures réalisées par taille directe, souvent de grandeur nature. Techniquement apparentés à un art traditionnel, et souvent inspirés de l’imagerie de l’art populaire, ses personnages hybrides sont assurément teintés de considérations actuelles.

Mon coeur est un ovni en forme de Frisbee est un rendez-vous culturel, intergénérationnel et social où aura lieu la réédification d’un langage commun. Tout en restant très fidèle à la pratique habituelle de l’artiste, l’oeuvre met de l’avant des éléments visuels et des choix qui appartiennent à la réalité des jeunes d’aujourd’hui, qui ont inspiré l’oeuvre. Les personnages poétiques partageant des piédestaux avec les visiteurs, participent à une mise en scène dans laquelle la théâtralité aborde de front la rencontre entre la fiction, l’histoire et la réalité, entre le sérieux et le ludique.

« Faire un statuaire avec des adolescents, c’est mettre de l’avant la jeunesse du Québec, c’est parler du futur de notre société. Ces sculptures font valoir la voix de ceux pour qui nous disons construire, conserver et protéger, mais qui sont pourtant si souvent oubliés sur la place publique. » – Jean-Robert Drouillard

Présentant une soixantaine d’œuvres picturales et une dizaine de sculptures, l’exposition Henry Wanton Jones. Démasqué! est la toute première rétrospective consacrée au travail d’un artiste québécois qui séduit le public et les collectionneurs depuis plus de 40 ans. Né en 1925 à Waterloo dans les Cantons-de-l’Est, Henry Wanton Jones a fait partie des « rebelles » qui, en 1950, exposaient en marge du Salon du Printemps du Musée des beaux-arts de Montréal. De la même génération que les peintres Jean Paul Riopelle, Marcelle Ferron et Pierre Gauvreau, il a marqué notre quête de la modernité. Le langage plastique de l’artiste, qui dénote une tendance pour le surréalisme, demeure unique dans l’histoire de la peinture canadienne. Jones met en scène des situations souvent équivoques, représentant autant des chevaux accompagnés de nus sensuels, des portraits masqués, des autoportraits et des natures mortes. Véritable poésie visuelle, son œuvre témoigne d’un humour et d’une sensibilité qui marquent l’imaginaire.

Formé à l’École du Musée des beaux-arts de Montréal, Henry Wanton Jones enseigne dans différentes universités montréalaises jusqu’en 1975. Dans les décennies 1960 et 1970, sa pratique artistique est partagée entre abstraction et figuration; entre sculpture et peinture. À partir de 1976, il se consacre entièrement à la peinture à l’huile et expose à travers le pays. Ses oeuvres se trouvent aujourd’hui dans de nombreuses collections privées et muséales au Canada, telles que celles du Musée national des beaux-arts du Québec, du Musée d’art de Joliette, de la Winnipeg Art Gallery et de l’Université du Nouveau-Brunswick.